“Los hombre son como el vino, algunos mejoran con el tiempo otros empeoran”
Esta frase de Marco Tulio Cicerón es extrapolable a todo arte. Numerosos son los casos de pintores, escritores o películas que fueron ignorados o menospreciados por la crítica durante su época, pero que al transcurrir los años han ido ganando reconocimiento, hasta convertirse en clásicos.
Kill La Kill se emitió entre el otoño de 2013 al invierno de 2014. Desde su anuncio contaba con una gran cantidad de expectativa por ser el primer proyecto de Trigger, estudio hijo de la todopoderosa Gainax y cuyo cofundador es el creador de la mismísima Tengen Toppa Gurren Laggan. Por esta razón desde su primer capítulo fue comparada y cruelmente juzgada en cada mínimo aspecto, siendo presa de un aluvión de críticas de espectadores decepcionados por no ver la misma historia con distinta presentación.
Sólo se necesitó del tiempo para ir apaciguando todas estas injustas acusaciones, poco a poco diversos críticos han empezado a destacar las numerosas virtudes del programa: su gran ritmo capaz de dotarle frescura a cada episodio, la animación tan creativa, música original de alto detalle, el soberbio equilibrio entre no tomarse totalmente en serio ni caer al vacío bombástico, la multitud de temas tratados sin por ello sentirse pesada ni floja. Todo esto sería imposible si fallará la estructura, y no, no me refiero al guión, los personajes son la estructura.
Para hablar de los personajes, es necesario saber como se construye uno. En las buenas obras cada papel debe satisfacer algún objetivo, sólo así se logrará diseñar una red de actitudes dispuesta a los contrastes y de esta manera se podrá crear conflicto; por lo tanto es crucial plantear cada rol como indispensable e interesante. Para ello todo buen personaje cuenta con dos capas: la personalidad y la caracterización.
Es mentira afirmar que alguna creación es original desde su concepción, TODAS las historias se construyen desde los arquetipos. La caracterización es la percepción del espectador en reconocer los aspectos más generales del sujeto con solo verlo durante unos pocos minutos, en otras palabras, son los arquetipos más generales de cada individuo y abusar de esta capa conlleva a los clichés; la única forma de evitarlo es con la personalidad. Englobada como todos los aspectos que diferencian a cada ser del resto, planteado correctamente puede lograr interés pero incorrectamente produce superficialidad, por lo tanto falta un “algo” para terminar esta construcción y lograr que se sienta real, necesitamos la naturaleza interna.
El truco final es desarrollar esta naturaleza interna como el choque de ambas capas, logrando un personaje planteado desde el arquetipo, perfeccionado por la personalidad, definido con actitud correspondiente a ambas capas. Toda esta teoría puede sonar fácil pero ¿Cómo logras crear un personaje original partiendo de un arquetipo? Y más importante ¿Cómo evitaras que la caracterización y la personalidad sean iguales? Porque si eso llegará a suceder habrás logrado una terrible (y lastimosamente común) falla, has creado a alguien monótono.
No hay respuesta universal, cada artista la afronta con base a su talento y experiencia. En el caso de Kill La Kill utilizan estas tácticas:
- Originalidad en su diseño.
- Acontecimientos en vez de situaciones
- Construcción de personajes.
- Utilizar contrastes.
- Corresponden a los diversos temas planteados.
Ahora analicemos cada táctica:
La industria anime está inundada de las mismas concepciones, chicas con la misma cara pero distinto cabello, héroes haciendo cosplay de Kirito o villanos tan exagerados que resultan absurdos. Ahora miremos al mundo de KLK; en un primer vistazo todo parece simple, es decir los estudiantes son una masa de grises, y sería decepcionante sino tuviera justificación. La escuela (el mundo donde transcurre) es una institución cuasi militar, y existe un sistema de estrellas (tratado más adelante) donde los menos calificados tienen un uniforme básico. Además no todos son así, un ejemplo de buen diseño son los cuatro celestiales: Gamagori, Sanageyama, Houka y Nonon. Son asociados (respectivamente) con el color naranja, verde, azul, rosado, estos se contraponen en el círculo cromático, conocido truco artístico enfocado a volver agradable una composición, y de paso logran contraste en forma gráfica.
En el aspecto visual-conceptual la clave está en ser lo más simple y familiar posible, cada diseño tiene elementos comunes que en conjunto le vuelven reconocible, tomemos a Nonon cuya personalidad está asociada a la música y lo demuestran a través de su sombrero, vestido y obviamente las diversas transformaciones. Estas mismas reglas son aplicadas en mayor o menor medida al resto de secundarios sea la familia de Mako o los dos jefes de Nudist Beach. Toda esta atención al detalle va construyendo un mundo robusto, lleno de personajes visualmente frescos, logrando un entorno agradable.
Juan choco con alguien y perdió el tren, esto es una situación, si fuera un acontecimiento quedaría como Juan se ha despertado tarde en su primer día de trabajo, se alista y va corriendo a la estación, decide ver la hora en reloj y no observa al hombre del frente, cae y ve partir al tren. El acontecimiento es el conflicto que nace de los personajes, siendo el choque de todo un trasfondo contra otro trasfondo, la presentación de Nui Harime es una perfecta muestra. De forma resumida, esta presentación desencadena una batalla entre ella y Ryuko, resultando en la victoria de la primera.
Simplificar esta introducción a una frase es cortar de forma irracional todo el material previo, tenemos a Ryuko totalmente decidida a derrotar a todos lo celestiales para así enfrentarse a Satsuki y saber la verdad de la muerte de su padre. Un objetivo muy bonito pero superficial, detrás de esta personalidad hay un deseo subconsciente esperando a ser liberado.
Entonces entra Nui, una chica de aspecto frágil pero de increíble poder y quien de forma burlona acepta ser la asesina de su padre, aquí la naturaleza interna de Ryuko toma control y clama por su verdadero objetivo VENGANZA. Por otro lado Harime se enfrenta a ella por resentimiento, quiere tener la tijera completa, su personalidad está guiada por el orgullo y el narcisismo.
La mayor diferencia entre ellas dos, es el autoconocimiento de sí mismas, Harime acepta quien es y lo usa a su favor, Ryuko tiene una idea sobre sí misma pero no está completa, lo que le lleva a perder el control y con ello perder la batalla.
Y nos duele esta derrota porque tenemos empatía por Ryuko, ella cumple con las características básicas de una buena construcción: En un principio está rodeada por un aura de misterio, tiene un desarrollo donde aprende la importancia de creer en ella, la necesidad de la familia, la importancia de pedir ayuda y ayudar o no desdeñar el pasado.
Pero tal como hemos visto en la conceptualización del diseño, los secundarios también están construidos, tienen un arco de aprendizaje más reducido pero no insustancial, podemos empatizar con ellos porque el programa se encarga de que sepamos quienes son y porque actúan, y la personalidad permite la comparación de sus actitudes.
Véase a Nonon y Mako, ambas parten del arquetipo de mejor amiga y cada una su manera la protegen y apoyan, la primera decidida a combatir por Satsuki, la segunda mantiene estabilizada a Ryuko. Esto nos lleva a la contraposición.
Y la mejor contraposición está obviamente en los personajes principales. En un principio Satsuki y Ryuko no podrían ser más distintas, la primera tiene actitud militar y rechaza cualquier clase de debilidad, la segunda es rebelde y está dispuesta a derrotar cualquier orden establecido, además siente compasión por lo débiles.
Y deciden representarlo de una forma brillante, han reservado el contraste gráfico más certero: negro vs blanco para Senketsu vs Jenketsu, además sus pequeños detalles también se contraponen (azul claro vs rojo). Aunque al inicio todo está enfocado al continuo choque entre ellas dos todo cambia mientras se acerca el final , porque sus objetivos no son distintos. Satsuki pertenece a una categoría muy especial de personajes llamada aliado impostor-adversario, esta decisión además de funcionar como giro tiene valor como complemento, cada una tiene lo que a la otra le falta y si quieren lograr la victoria se necesitan entre ellas, así van forjando el lazo más profundo, el familiar.
Hay diversas formas en como los temas son tratados a través de los personajes, por ejemplo el sistema de estrellas aborda la temática de la individualidad: en un principio todos son iguales correspondiendo a la estructura militar pero con base a los méritos vas adquiriendo distinción tanto económica como estética, por eso cada traje con más estrellas es más estilizado respecto al anterior y en relación a los trajes es momento de hablar del fanservice. Kill La Kill debería ser ejemplo en cómo utilizar este recurso, integrándolo a fondo con la temática, logrando que responda de forma orgánica con la trama, a la vez que corresponde a otros planteamientos como son la desnudez o la feminidad, esta última mostrada en la recordada escena donde Ryuko acepta su vestimenta y se ve recompensada con poder. En resumen, nada está desperdiciado.
Para finalizar, ningún artículo acerca de Kill La Kill estaría completo si llegase a faltar un párrafo dedicado a Nui Harime, ella es sin discusión uno de los mejores villanos del medio. Cada escena donde aparece es dominada con su presencia, ella luce frágil, inocente y estilizada, no suele perder la compostura mientras combate, brindando la bizarra imagen de su risa mientras corta y cae sangre. Es intrigante, no tenemos idea de su origen ni naturaleza, todas sus acciones corresponden a sus caprichos, no se preocupa en absoluto por el otro. Usualmente el arquetipo del malo siendo malo porque es malo, falla estrepitosamente por la falta de carisma, Nui Harime se desmarca porque rebosa estilo y recuerda que los monstruos no suelen lucir como uno.
De Kill la Kill se puede seguir escribiendo, hay tantos recursos tan bien planteados y cuidada atención que merecen su propio ensayo, abarcar a fondo su uso del fanservice, la espectacularidad de su animación, la evolución temática. Tantísimos ángulos de decenas de aspectos, pero recordemos que todo esto es posible por una estructura fuerte, ósea personajes auténticos.
