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La Filmografía del Maestro (Recorrido Satoshi Kon)

Hoy 12 de Octubre de 2018 Satoshi Kon cumpliría 55 años. A la comunidad le tomó por sorpresa su cáncer terminal de Páncreas diagnosticado en Mayo de 2010 y aún mayor fue el impacto de su rápido deterioro hasta su fallecimiento en octubre de ese año. En vida se le reconocía como uno de los directores más talentosos, sus películas trascendieron las fronteras de Japón y su influencia sobre numerosos autores occidentales es inconmensurable. Cada año su legado se ensancha, y viendo su corta filmografía este mérito tiene aún más resonancia.

Para este reportaje sólo me centraré en las 4 películas que dirigió, una filmografía que a primera vista puede parecer bastante corta, pero esto es sólo en cantidad, en sustancia bien podría valer por 50. Agregado, este es mi director favorito, no sólo del anime, del cine en general.

  • PERFECT BLUE (1997)

Previo a su primera película como director, Kon tenía labrado un perfil como animador y escritor. Había participado en la animación de Roujin Z, Hashire Melos!, Patlabor 2, JoJo´s Bizarre Adventures y Memories en las Key Animation o los Layouts (Y trabajo en los fondos en Roujin Z). Como escritor se desempeñó en World Apartament Horror, JoJos y Memories, con JoJos también se encarga de la dirección de un capítulo.

Una inesperada calamidad abrió su camino. Originalmente Perfect Blue iba a ser un Live Action, pero debido al terremoto de Kobe de 1995, el presupuesto se destina a Madhouse para que sea una película animada y eligen a Satoshi para encargarse de la dirección. Inspirada en una novela del mismo nombre, su guionista es Sadayuki Murai (quien años más tarde sería recordado por el guión de Cowboy Bepop).

Murai y Kon decidieron utilizar sólo unos cuantos conceptos de la novela, principalmente la crisis de identidad a lo que fueron agregando sus propias visiones temáticas, como el choque contemporáneo entre fantasía y realidad en Japón, la lucha entre avatar y personalidad o la ambición descarnada (Tengo un artículo explicando a fondo su abordaje temático).

Por supuesto, estos temas son densos y pueden verse fácilmente malinterpretados con enfoques y bases incorrectas, más ellos supieron aprovecharse de las condiciones que la misma novela ya brindaba. La premisa es sobre la Idol Mima Kirigoe quien en la búsqueda de alcanzar nuevos niveles profesionales está dispuesta a renunciar a su imagen inocente, un cambio que no va a ser de agrado entre varios de sus seguidores, en especial, uno de ellos quien decide hacer todo lo posible para revertir este cambio.

Ya podemos ver como la premisa se presta a tres amplias temáticas, la búsqueda de la fama aunque signifique cortar con la imagen pasada, la relación entre avatar-persona y el conflicto de estas dos abre las puertas de la crisis de identidad. Las posibilidades y tratado que necesita cada vertiente pueden ser una película independiente, Perfect Blue necesitaba concentrarlas todas en una sola historia.

Por eso es importante la apreciación entre el conflicto entre las temáticas base, es gracias al choque que podemos referirnos a una tercera y esta no resulta de calzador sino como una consecuencia lógica de los acontecimientos. El guión funciona porque no necesita forzar la historia, todo es una orden lógica de actuar y prever cuáles serán sus efectos.

Sin duda alguna es un gran trabajo de Murai, gracias a su concentración en las relaciones sociales y el lado oscuro de la industria se le clasifica cómo género psicológico/terror, por esa frialdad en la que presenta sus temáticas. Y obviamente, en cómo Kon utiliza esta estructura narrativa y la lleva al lenguaje visual.

Cuesta creer que sea el debut de un director,  su manejo del ángulo, el fondo, el contraste, el corte, el encuadre es digno de un profesional, sin duda entre los mejores debuts de la historia del cine. No son alabanzas vanas, basta con ver sus escenas más emblemáticas para reconocer todo su talento: La aparición de Mamoru donde sostiene en su mano a la idol, puntualizando el control del público sobre el avatar, la escena de la violación está llena de contraste, tanto en sus oscuros colores frente al rosado piel de la Mima más las acciones brutas y duras fríamente planificadas, o por supuesto, la última secuencia de Mima siendo perseguida.

Y también podemos hallar muestras de su talento entre las escenas más cotidianas, mientras más avanza la trama la protagonista se adentra más y más en sus conflictos mentales, confundiendo la realidad con la fantasía. Satoshi no se vale de monólogos sino que decide adentrar al mismo espectador en estas encrucijadas, no sabemos cuál escena pertenece a la realidad o a la pesadilla, hay fondos que contrastan con su reflejo, perdemos el hilo de los acontecimientos.

E inclusive entre las tomas que podríamos llamar “contexto” siguen teniendo un propósito. Varias veces se enfoca a una figura publicitaria o portada de revista con alguna imagen que rememora al estilo anime de finales de los 90 para acto seguido comparar con una estética realista.

Esta misma intención es la temática (el choque contemporáneo entre la fantasía y realidad en Japón) a nivel visual, también empieza a ser la formación de uno de los detalles más notorios del estilo de Kon, animación (a nivel facial) que tiende al realismo. Utilizada como la baza principal de este tema, también facilita tanto la empatía como el horror, porque en ambos casos los personajes nos resultan más reconocibles.

Hideki Hamasu es el director de animación, con unos cuantos trabajos a sus espaldas, entre ellos, una participación como Key Animator en Ghost In The Shell, logra transmitir en gestualidad los complejos sentimientos de los protagonistas. Especialmente destacable su labor en “dividir” los gestos de la protagonista, este factor es decisivo al darle fuerza a la película.

Y la tensa música también resulta crucial, mérito de Masahiro Ikumi quien sólo ha participado como compositor en dos películas. Especialmente destacable la pesada Nightmare o la que resulta perfecta para la diégesis tramatica Angel of Love. Las piezas van del mundo idol a la densa ambientación de la temática, dándole la guinda final a la obra.

Es frecuente ver en las listas de “películas que han plagiado otras películas” a Perfect Blue, comparada hasta la saciedad con el Cisne Negro, cuando esta sólo utiliza ciertas ideas más no van al mismo objetivo ni utiliza enfoques parecidos. Aunque más que la sugestión de una falta de creatividad, hay un factor positivo en esta clase de listas, la innegable influencia en occidente. Desde su primera obra, Kon ya forjaba un formidable legado.

  • SENNEN JOYUU(2002)

La película más infravalorada del cineasta (más no desconocida). Cubierta bajo las sombras de Paprika y Perfect Blue no ha alcanzado el reconocimiento que debería tener. Desde ya insto a mirarla, no porque “está bien aunque no llega al nivel de las otras”, por el contrario, Millenium Actress tiene todo los méritos para disputarse el reconocimiento de lo mejor de su filmografía.

Desde la finalización de Perfect Blue, Kon trabaja como Animador en Detatoko Princess y Master Keaton, además participa en la creación del guión de Jin-Roh. Tenía planeado adaptar la novela de Paprika, pero debido a que la compañía que distribuyó Perfect Blue quebró tuvo que posponer sus planes. El mismo guionista de Perfect Blue ya estaba en la producción de su siguiente manuscrito, vagamente basado en las vidas de las famosas actrices Setsuko Hara y Hideko Takamine.

Él concebía a esta historia como una reintepretación del enfoque narrativo de Perfect Blue, la vida contada desde diversas perspectivas. Por esa razón Kon toma a estas dos películas como obras hermanas. Sin embargo, Millenium Actress construye otra identidad porque se escapa de los temas inherentes de su predecesora, su contexto sigue siendo el mundo del espectáculo está vez enfocado desde la nostalgia.

Genya Tachibana es un entrevistador de Televisión y junto a su camarógrafo Kyoji tienen la oportunidad de entrevistar a la legendaria actriz Chiyoko, de la cuál Genya es muy fanático. Esta sinopsis clasifica a la película dentro del género biográfico, las obras de este corte cuentan con una serie de particularidades únicas, deben brindarle un sentido global a la existencia del protagonista, porque en sí misma la vida es demasiado amplia como para concentrarse en diversas enseñanzas.

En este caso ese sentido global es la búsqueda, una persecución de Chiyoko a lo largo de su vida por alguien de quien cayo enamorada cuando era una niña y quién le dejo una llave. Un motor que se podía prestar a la fragilidad o absurdo si no fuese por el tratado contexto desarrollado alrededor de la misma. La esencia de la historia es el poder del recuerdo y la búsqueda del futuro, inherentemente (gracias a las particularidades del contexto) se presta para abordar el cambio social japonés, la madurez y la relación entre público-celebridad.

Claramente sus temáticas son parecidas a Perfect Blue, la diferencia radica en cómo son abordadas, el cambio social Japonés está reflejado en las películas protagonizadas por Chiyoko, la cinematografía transcurre en diversas épocas históricas (y todas en sí mismas están aún más relacionadas con la temática), la madurez radica en la misma evolución de la protagonista, una concentrada no en la ambición sino en la formalización y el mismo Genya es el reflejo de cómo el cine es capaz de influir en la vida de una persona.

Justamente las diversas películas donde Chiyoko participa son historias de amores no correspondidos, brindado una y otra vez fuerza al motor temático. No obstante me he referido a que la esencia es el poder del recuerdo y la búsqueda del futuro, líneas temáticas que poco tienen que ver con el desamor, la clave están en los últimos minutos del filme. No sabemos (ni la misma Chiyoko) quiere al chico de la llave, lo que se añora y por lo que se esfuerza es por la búsqueda en sí misma.

Un mensaje que muchos podrían tomar por deprimente aunque este es el mismo principio aplicado a la famosa consigna “Lo importante no es la meta sino el camino”, y el camino de Chiyoko es inmensamente valioso. Ella aprende sobra la importancia de la confianza, a la dura lucha en la industria y a recordar siempre cuál ha de ser su objetivo (simbólicamente presente en la llave). Los personajes secundarios son pivotes para servir de espejos de las intersecciones más importantes.

¿Y todo este trabajo si está reflejado en la película? Si, y brillantemente. Satoshi extiende su uso del montaje, se entremezclan diversas escenas de diversas películas siempre siguiendo una línea narrativa coherente, el espectador podrá desubicarse por el repentino cambio más no tarda en captar cuál es la línea de lo que está aconteciendo y quienes participan en ella. Esto le brinda al tono una de las características que más suelen faltar en una biografía, un ambiente que capture la ensoñación de recordar.

Para evitar que esto suceda sólo a ciertos personajes tiene el genial aporte de incluir a Genya y Kyoji en estos recuerdos, son tantos actores como espectadores. Favoreciendo la dinámica mientras utilizan métodos del falso documental. Así mismo no se olvida de capturar toda la esencia de una escena a través de las más simples tomas, como la catalizadora de este recuerdo la imagen del chico de la llave yéndose o el cohete despegando al desconocido futuro.

Por si fuese poco la animación realiza un espectacular trabajo en brindarle a cada una de las épocas su reconocible identidad visual. Repite como director Hideki Hamasu, razón que explicaría la conservación hacia el realismo en los gestos, las acciones y la diferenciación entre los más pequeños detalles de uno u otro personaje.

La fluidez entre corte y corte en el que transcurren diversas épocas no hubiese sido posible sin el sobresaliente trabajo de los animadores, logran la encapsulación de la atención del espectador en cada época. Para asegurarse de esto sólo faltaba la música, compuesta por Susumu Hirasawa, a quien Kon personalmente admiraba, este compositor es especialmente reconocido por su trabajo en la famosa adaptación de Berserk de 1997.

La música va al detalle con la época, más no sólo queda en acompañar, también realiza un soberbio trabajo en capturar la esencia de la obra. Piezas como Run que ejemplifica la búsqueda de Chiyoko, siendo una canción que sube y baja. Actress in Time Layers es la concentración de todas las experiencias de su vida superponiéndose unas a las otras o el tema de Chiyoko, una pieza con firmeza sin perder la calma.

En lo personal prefiero Millenium Actress sobre Perfect Blue, ambas son ligar a dudas obras maestras pero me inclino por la primera por lo cercana que me resulta su historia. Debería estar más presente cuándo se hable sobre el autor, lo tiene totalmente merecido.

  • TOKYO GODFATHERS(2003)

Esta si es la película más desconocida de su filmografía, basada en el clásico “Los 3 Padrinos” (1913) del estadounidense Peter B.Kayne, este libro ya había sido adaptado varias veces, inclusive hay una versión de 1948 protagonizada por John Wayne. El guión está coescrito por Kon y Keiko Nobumoto, ella también trabajo en Cowboy Bepop y es la creadora de Wolfs Rain. Además ya estaban relacionados por la historia de World Apartament Horror originalmente de Kon y adaptada por Keiko.

La novela brinda las bases de la temática principal, una historia sobre la sociedad y de cómo los marginados también demuestran humanidad. Intrínsecamente se aborda el tema de la familia, del peso de las decisiones y de la redención. El libro es adaptada al Japón del inicio de la década de los 2000, como protagonistas tenemos a Gin un alcohólico de mediana edad, Hana una transexual y Miyuki una chica independiente.

Ellos encuentran a un bebe entre la basura y este es el incidente incitador de la trama, la búsqueda de los padres de la niña en plena navidad. A lo largo de la historia vamos conociendo las razones de porqué cada uno termina en la calle, sirviendo de abordaje sobre como todas las clases sociales tienen sus propios problemas.

Cada una de sus vidas cuenta con sus propios personajes secundarios que sirven para extender esta imagen de la sociedad. Usualmente en el anime nuestra percepción está cerrada a sólo cierta parte de la ciudad (usualmente la escuela y la oficina), Tokyo Godfathers le presta atención a los marginados, a lo largo de la historia conocemos más mendigos, prostitutas, desquiciados, abandonados, etc. Personas que también viven en la ciudad pero suelen ser olvidados.

Y esta misma localización, la ciudad de Tokyo cobra vida. Son pocos los trabajos que se dediquen al espacio urbano y tratarlo como otro personaje, en este caso Tokyo si es una metrópoli que podamos identificar como tal: sus lugares escondidos bajo brillantes edificios, los ordenados suburbios, los peligrosos callejones, la contaminación visual de posters y volantes pegados por doquier, su tono cambiante entre los diversos estados del día.

Kon logra acentuar esta presencia al contrastar de forma constante con acciones, caminatas que interactúan con el entorno, lugares que cuentan visualmente su historia, indicios de los sistemas que componen una ciudad. Todos son detalles constantes que le dan a la ciudad un contexto auténticamente físico.

Así el mundo cobra autenticidad y le brinda un importante punto de apoyo para la validez de los personajes. Elenco muy interesante no sólo por su condición de marginados sino porque su actitud y métodos son contrarias al prejuicio de la sociedad, mientras más los vamos conociendo y nos adentramos en sus problemas crece la empatía en el espectador, fortaleciendo la visión de cómo lo que conocemos como humanidad (características y actitudes propias del ser humano) puede estar presente en cualquier lugar.

Por si fuese poco en este camino de descubrimiento es abordado el valor de la familia. El trío ha tenido problemas con las respectivas, Gin excluyéndose de esta por su irresponsabilidad, Miyuki escapa de los roces con su padre y Hana considera que no tiene ninguna. En el transcurso de la película ellos a su manera van construyendo un núcleo social tan entrelazado que podemos considerarlo como una familia.

Los secundarios son más apoyos temáticos por cómo ellos conciben y entienden a la familia. Y como remate, la historia transcurre en Navidad, conmemoración del nacimiento (y por lo tanto formación de la familia) más famoso de la historia. Por cierto, el guión tiene varias coincidencias que en la obra son llamados milagros, evidentemente se podrían clasificar como huecos narrativos, sin embargo teniendo en cuenta el contexto y su excelente trabajo en plasmar en los personajes las numerosas ideas de la historia, me basta con que sean llamados milagros (además nunca entorpecen a la trama).

Satoshi decidió valerse del poder de la toma y la captura en vez del montaje, no puede considerarse un retroceso, por el contrario, es un acierto ya que aporta al sentido orgánico y empático del mensaje por ser más “natural”. Son instantes donde se captura la esencia gracias a una gran composición que realza a los personajes y al escenario, una dirección que sabe cuánto ha de extender el momento para lograr una conexión efectiva.

La OST está lógicamente relacionada a un estilo navideño, a cargo de Keiichi Suzuki tiene la fuerza y energía de este tipo de melodías. Tal cómo el tema principal homónimo al título de la película. Mantiene envuelto su tono de festivo y tacto amable.

Su estilo de animación es muy particular respecto a las otras obras de su filmografía, mientras en el resto se apuesta por el realismo y en Paprika por el surrealismo, aquí hay una mezcla de ambas, una ambientación en general guiada al realismo que suele tener momentos donde sus rasgos son exagerados, tal como una caricatura. Puede deberse al nuevo director de animación Masashi Andou, actualmente alguien bastante importante en la industria, que también gozaba de reconocimiento cuando fue contratado gracias a su trabajo en Mononoke Hime.

No tengo explicación temática para este hecho más no tengo ninguna clase de quejas, eso junto con su dirección tranquila aunque muy cuidada, una historia atípica al género, personajes identificables y empáticos, la convierten en la joya a descubrir.

  • PAPRIKA (2006)

Después de Tokyo Godfathers trabajó en Madhouse como director y guionista de Paranoid Agent, su buena recepción fue posiblemente una de las razones para que el estudio se animará a apoyar su proyecto adaptando la novela de Paprika, después de 5 años de concebirlo por fin tuvo su oportunidad.

La novela de Paprika es perfectamente clasificable como una obra “inadaptable”, pertenece al género de ciencia ficción por su ambientación futurista pero está más cerca del surrealismo por su enfoque en el plano onírico. Trasladar tales descripciones, locuras, rompimientos de la lógica, describir visualmente lo indescriptible, es una tarea completamente imposible en Live Action (con la tecnología actual), no obstante, esto no es así en la animación.

El principio de la animación es comprender la realidad para deformarla de las formas que se considere necesario, para lograr que animales caminen y hablen se debe comprender acerca de anatomía humana, animal y física. Satoshi entendía a la animación, si bien su estilo tiende al realismo, en Tokyo Godfathers demuestra conocimiento de cómo utilizar la caricatura a su favor. Así llevó este concepto a un nivel completamente superior en Paprika.

Paprika es mi película animada favorita, ella no puede existir en el cine tradicional, no se podrá llevar al Live Action con siquiera el 5% del surrealismo que representa. Y también es el último golpe clave del porqué considero a Kon el mejor director anime (y personalmente mi favorito), supo aprovechar lo que hace especial a una obra animada para crear algo sin paragón.

Primero la animación en sí misma es de las más creativas que hay en el medio. Seres fantásticos interactúan entre sí de forma completamente normal, algo sólo posible en sueños, y toda la película está poblada por ellos. La escena Parade es la perfecta concentración de este principio, personajes extravagantes que siguen regidos bajo la lógica de la realidad perceptible en el sueño, cambiando de figura, desfilando ordenadamente a la vez que no mantienen ningún tipo de organización, mientras una banda sonora brinda un enérgico eco de los movimientos.

Claramente sabemos que todo se ve potenciado por la labor de la dirección, Satoshi termina de explotar esta gran base llevando el montaje de Millenium Actress al perfeccionamiento más bestial. La cantidad, tipos y precisión de cortes son abrumadoras, hay bastante cantidad porque sigue la actitud caótica de la narración aunque nunca resultan contraproducentes, desorientan enfocados a la fascinación y no al hastío. De ejemplo tenemos la fantástica escena inicial o la presentación del personaje de Paprika.

Los tipos de cortes también son otro factor clave, no sólo sucede el típico plano contra plano, él juega con las nociones del tiempo y el espacio como si fuese papel mache. Presenta la que parece ser la finalización de una escena, inserta la acción otra y ahí si finaliza la secuencia inical, todo blindado con sus cortes rápidos y precisos.

Brindo de profundización al excelente vídeo de EveryFrameIsAPainting sobre la edición de Satoshi Kon.

Y agregado tenemos al mejor trabajo del compositor Susumu Hirasawa. Parade es un tema caótico, extenso, que entremezcla una multitudinaria orquesta mientras sube y baja su intensidad. The Girl in Byakkoya también sigue estos principios más llega a ser un poco más tranquilo, característica que bien es aplicable a todo el OST, como detalle maestro en varias piezas incluye voces vocaloid (que de por sí son cercanas a la realidad más no son reales).

¿Y la trama? Dejaré esta parte a análisis del espectador. Muchos califican a Paprika como el guión más débil de su filmografía y tienen razón pero esto me resulta insustancial frente al trabajo tan imponente y todo lo que ella en si misma representa. La historia me parece a todas luces funcional y con eso me basta y sobra.

También es comparada hasta la saciedad con otra obra occidental, en este caso Inception. Cualquiera sería capaz de ver sus similitudes, sólo que Paprika se toma en serio representar una historia en el surreal mundo de los sueños e Inception lo utiliza como escenario sobre una historia de atracos.

Para mí Paprika es la culminación del potencial de la animación, una obra que por mucho que la analice no llegaré nunca a explicar su verdadero sensación. Mi ejemplo favorito de cómo las películas son una experiencia y en cómo la animación es un medio único para implementar y extender las más grandes locuras de la imaginación.

Satoshi Kon vivirá por siempre sólo con 4 películas, su estatus como uno de los grandes maestros no hace más que asentarse. Él entendía que hace especial a la animación, sus historias son adaptaciones y cómo una buena adaptación logro imprimirles su visión y personalidad. Tocan la fibra sensible por lo cercanas que son pese a sus complejos temas, formas o contextos. Siempre será una pena que haya muerto tan joven, alguien que podría haber ido más lejos que nadie.

Para finalizar comparto su último trabajo, un estupendo corto de tan sólo 1 minuto.

Written by Napo Jefferson

Aspirante a Ingeniero de Sistemas sin dejar de ser aprendiz hacia la Critica. Apasionado por el Cine, los videojuegos y el ANIME. Extremo aficionado a la música aunque no la entienda y mucho menos la componga. Puedes seguirme en @NapoTheGuy

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