Mi película anime favorita de 2017 es Your Name (Kimi no Na wa). Su historia tan íntima, preciosa animación y talentosa dirección lograron conectar por completo conmigo. Además no soy el único (de lejos), es la película anime más taquillera de la historia (357 millones de dólares) y en Japón ha sido auténtico fenómeno, a tal punto de ser la segunda película anime más vista. ¿Y en crítica? 97% de aceptación en Rotten Tomatoes, 79 en Metacritic y actualmente está en la segunda posición en MyAnimeList con un férreo puntaje de 9.21.
¿Cuál ha sido el secreto usado por Makoto Shinkai? ¿Qué truco utilizo? ¿Esto confirma su posición como el Nuevo Miyazaki? Para las dos primeras preguntas os tengo la respuesta inmediata: Aprendiendo. Igual que toda gran obra, estas nacen por la experiencia y retroalimentación de cada autor. En este artículo abarcaré toda la filmografía principal de Makoto Shinkai para comprender el éxito de Your Name. La tercera pregunta se responderá en el último párrafo.
Aclaración: Con filmografía principal me refiero a Ovas y películas. Ningún cortometraje será analizado o nombrado en el artículo.
VOCES DE UNA ESTRELLA DISTANTE (HOSHI NO KOE)
Makoto inicia como todo ilusionado animador: escribiendo, dirigiendo y produciendo durante 7 meses su primera OVA. Solamente Él, inclusive las voces originales están acreditadas a él y a su novia. Ser debutante nunca es fácil, y aún más difícil es demostrar desde el inicio talento para contar algo. Aunque primero ¿De qué trata esta obra? Mikako y Noboru son grandes amigos de la secundaria, hasta que su relación es puesta a prueba cuando la chica es reclutada para una misión espacial.
Lo aclarare de una vez, la filmografía de Shinkai es sobre la unión de dos personas siendo evaluada y transformada a través de diversos obstáculos, ya sea el tiempo o la distancia. La inspiración para Voces de una Estrella Distante fueron los continuos mensajes que enviaba a su novia, en sus propias palabras el tema es la importancia de la comunicación. Esto es evidente en la obra, así como también (analizándolo en perspectiva) demarca un primer paso hacia la temática general de sus futuros trabajos.
La OVA es admirable, considerando que solo participó en su producción una persona. Podemos notar el estilo artístico tomando forma: tendencia a la iluminación natural, poca expresión facial compensada con detallados escenarios basado en locaciones reales y música relacionada al mensaje.
Narrativamente podemos apreciar, aparte de la temática, su temprana predilección por los personajes de secundaria, la cercanía de la relación escolar y el trasfondo de ciencia ficción. Eso sí, sus errores de primerizo dotan de ambigüedad toda esta ambientación futurista. Por último fijaros (o mejor escuchad) la escena final, ambos personajes terminan diciendo la misma frase al mismo tiempo… ¿A qué me recuerda esto?
EL LUGAR QUE NOS PROMETIMOS EN LA JUVENTUD (KUMO MO MUKO, YAKUSOKU NO BASHO)
Para el desarrollo de su siguiente obra empezó a recibir apoyo del estudio CoMix Wave Inc, gracias al relativo éxito de su ova previa. En esta ocasión, la historia transcurre en un Japón dividido y al borde de la guerra, Hiroki y Sayuri están en secundaria, son buenos amigos y para ratificar su amistad realizan una promesa. Su unión manifestada en esa promesa se verá cada vez más comprometida, mientras aparecen más y más obstáculos.
Claramente ya está clara su relación temática, así que enfoquémonos ¿Cómo esta obra aporta narrativamente al autor? :
- Demuestra su creatividad para crear contextos novedosos, aunque pobremente presentados.
- Habilidad para definir personajes: Aunque esta vez cuenta con la ventaja de tener más tiempo, este no es el factor decisivo. Para lograrlo este punto, dedica tiempo a caracterizar cada personaje, a través de sueños, acciones y esperanzas.
- Finales agridulces: Yo no llamaría a ninguna de sus películas tristes, porque todas cuentan con un final objetivamente satisfactorio. Desde este largometraje se nota esa dedicación, pero si el final cumple ¿por qué la sensación de vacío? Porque el espectador siente el dolor subjetivamente, se apropia de él, debido a su punto particular de quién sabe todo. Ej: sabes lo que Sayuri tanto quería decirle a Hiroki.
Ahora al avance de su estilo: Las expresiones faciales están más perfeccionados aunque siguen sin transmitir alguna clase de empatía, mientras los escenarios son más pulidos, particularmente curioso porque esta película tiene más locaciones basadas en la pura imaginación. Para terminar presta atención al próximo pic, y responde ¿Crees que los directores se auto plagian?
5 CENTIMETROS POR SEGUNDO (BYOSOKU GO SENCHIMETORU)
La primera GRAN obra de Shinkai. Esta película es la culpable de empezar a ser considerado como el “nuevo Miyazaki”. Compuesta por tres segmentos, todos interconectados a través de los dos protagonistas Takaki y Akari. Estos son fragmentos sobre la evolución de su relación puesta a prueba a través de la distancia.
¿A qué se debe la efectividad de esta composición? Cada segmento es una visión acerca de la unión. El episodio 1 “Extracto de Flor de Cerezo” es sobre el nacimiento de esta unión, aquí Shinkai utiliza por primera vez a la simbología. La flor de cerezo es utilizada como la representación de la relación, de cómo todo pertenece a un ciclo. Por eso está en pleno florecimiento al principio mientras que es inexistente en el que será su último encuentro.
El episodio 2 “Cosmonauta” explora un apartado novedoso en su filmografía, los externos a la relación. Aquí aparece Kanae quien presencia el vacío de una unión y se desconsuela porque sabe que no va a ser capaz de llenarlo. Esta visión si es triste. Se evidencia como perfeccionó sus habilidades al buscar la conexión emocional con el espectador. Evita el melodrama barato y pomposo, prefiriendo a la empatía apelada por una chica definida y reconocible.
El episodio 3 “5 Centímetros por Segundo” es la culminación temática. La unión no tiene razones para ser eterna. El cerezo florecido es la señal de una nueva relación naciendo, pero que esta vez no le incluye. Takaki sonríe porque sabe que Akari ha avanzado en su vida, y eso le basta. Esta parte es la más corta de la película porque es un video musical, una técnica de montaje con la que Shinkai ya había estado explorando. La melodía esta medida a la perfección, entra en el momento más crítico para el espectador emocionalmente involucrado.
Y en la animación Shinkai empieza a trabajar en su mayor inconveniente: la expresividad. Esta vez ambos personajes demuestran una amplia gama de sentimientos reconocibles, lo que permite la conexión narrativa. Además presenciamos el uso de las partículas, flores de cerezo y nieve ambientando del ya por si, muy detallados y preciosos escenarios. Ahora otra escena que os sonara un poco, el final de la misma película. Esa mirada a último momento.
VIAJE A AGARTHA (HOSHI WO OU KODOMO)
La película más atípica de su filmografía. Aquí el entorno fantástico cobra protagonismo. La historia es acerca del viaje del profesor Ryuji en la búsqueda de su esposa a través del mundo intraterrenal de Agartha, en la travesía le acompaña la estudiante Asuna.
Este mundo es el punto más alto a nivel imaginativo y mágico. Su contexto es tan colorido y único, que es considerada la obra más parecida al estudio Ghibli. A todas estas, ¿Cómo encaja este largometraje con la visión de Shinkai? En esta ocasión la distancia está presente en la historia de Ryuji. Su búsqueda en Agartha es el desesperado intento de romper la mayor de las barreras, la vida y la muerte.
En las lecciones que Makoto aprende de la película y que apreciamos en sus futuros trabajos están: la integración de la banda sonora, abarcando más allá de largas secuencias musicalizadas llegando a los armónicos ritmos de las escenas más simples y la animación que dota de vida al terreno campestre. Aquí no hay futuras referencias… Como dije, es sin duda la obra más atípica.
EL JARDÍN DE LAS PALABRAS (KOTO NO HA NO NIWA)
La segunda GRAN obra de Shinkai. Un día lluvioso Takao va a al parque y conoce a una chica mayor que él, desde ahí empieza una relación que sólo existe en las mañanas lluviosas. La duración son 46 minutos, un tiempo relativamente corto pero suficiente, gracias al talento de Makoto para narrar.
Para la percepción del paso del tiempo, se utilizan estructurados montajes del paso de los días. Estos permiten reconocer como el paso del tiempo va forjando su relación, tenemos de ejemplo al montaje de la silla: ambos al principio están alejados pero mientras más pasa el tiempo poco a poco se van acercando, a tal punto que comen juntos. El clima es otro recurso y es diegético, la historia está enmarcada alrededor en la estación de lluvias.
A niveles narrativos, Shinkai utiliza concepto vital, la sutileza. La historia transcurre con naturalidad, cada acción es orgánica y creíble. Sólo hasta el último plot point nos damos cuenta, que de hecho, ninguno sabía el nombre del otro. Ambos sencillamente vivieron su relación más allá de esta convención social, la presentación. Indicando, como para conocer (y querer) a alguien no se necesita de los “típicos requisitos”.
Ahora a la visión de autor, la unión desde otra perspectiva. La relación entre ellos es momentánea, no está destinada a superar el paso del tiempo sino a guiarlos en el presente. Me explico, la barrera es la edad. Takao tiene 15 años mientras que Yukino 27, ambos viven profundamente inseguros. Mientras que el chico reniega de sus posibilidades por ser un crio, ella no cree estar afrontando correctamente las responsabilidades de ser adulta. Cuando se encuentran están perdidos, y eventualmente (gracias a estos pequeños momentos) obtienen un impulso para continuar. Tanto el como ella, están agradecidos con el otro por haberles “salvado”.
Y simbólicamente Shinkai logra traducir correctamente todos los elementos utilizados en él manga. Takao quiere ser zapatero, y trabaja en par para Yukino, una chica que esta “CAÍDA”. Podemos entender el “me salvaste” del final como “por ti he vuelto a caminar”. El título, Jardín de las palabras tampoco es casualidad, los dos viven completamente desconectados en sus vidas cotidianas excepto cuando se encuentran en el parque. Aquí hallan compañía simplemente hablando, compartiendo, escuchando y siendo escuchados.
También está la lluvia. Ocasionalmente asociada a la desgracia, tristeza y oscuridad, su significado se ve trastornado o “naturalizado”. Tal como la lluvia es fuente de la vida, aquí representa el momento de felicidad de los personajes, y a la vez en la escena final cuando deja de llover, simboliza como su relación cumplió con el objetivo. Además es la razón de preciosas imágenes.
Y como no alabar el trabajo de animación, llamarlo precioso es quedarse corto. Gracias al esfuerzo del estudio por fin se pule la falta de expresividad, la capacidad gestual es extensa y reconocible. La paleta de verdes e iluminación está completamente dedicada y sumemos unos escenarios basados en la realidad, inmensamente detallados.
Entiendo que para muchos sea la mejor de sus películas, casi logra sintetizar todas las cualidades de Shinkai, y sin embargo la resolución me seguía sin convencer, demasiadas palabras para mi gusto. Faltaba un poco de magia, música, sentimiento… La consagración debía esperar hasta su próxima película.
TU NOMBRE (KIMI NO NA WA)
La tercera y más GRANDE obra de Shinkai. Supongo que ya la habréis visto, sino insisto que la veas inmediatamente. Teniendo eso claro, es momento de saber cómo está hace excelentemente, todo lo que Makoto estaba haciendo bien.
Aunque antes una aclaración. ¿Sabéis por qué el anime suele utilizar a los adolescentes en las historias románticas? Evidentemente, porque la mayoría de su público es joven, pero hay otra razón y es la primera vez. En la juventud, la mayoría tiene su primer amor, aquella persona que jurabas estaría contigo toda tu vida hasta que pasaban unos tres meses y terminaban odiándose. Por supuesto esto es una generalización… hay quienes duraron hasta cuatro meses. Shinkai sabe esto, y por eso utiliza esa primeriza relación para sus obras.
La relación de Taki y Mitsuha tiene dos barreras, el tiempo y la muerte. Pero esto no lo sabemos hasta los 50 minutos, es más casi toda la primera hora se dedica solamente a crear las bases de su caracterización. Aquí se evidencia las lecciones del Jardín de las Palabras, el uso de montajes para el paso del tiempo. Por ejemplo, las divertidas secuencias del cambio de cuerpos, que no sólo sirven para avanzar a la historia sino que además nos informa sobre la actitud y vida de cada uno.
Otro mérito, en todo ese tiempo hay dos “videos musicales”. Perfectas secuencias coordinadas a la preciosa banda sonora, influencia de sus primeros trabajos, en especial 5 Centímetros por segundo. Hacia el final hay otra de estas, con aún más fuerza emocional, sirviendo de clímax emocional y narrativo.
Pero ya me estoy adelantando. Hay que hablar del gran giro. Si hay algo que me parece verdaderamente admirable, es como Shinkai pudo introducir ciencia ficción en forma coherente dándole un carácter mágico-ancestral a la historia. No parece salido de la nada, porque el mismo se encarga de rellenar los huecos más apremiantes.
Desde que ocurre el plot point principal, la película se transforma. Aquí toda la caracterización del inicio es puesta en disposición de toda la serie de sentimientos que la historia exige sean cubiertos. Por eso es perfectamente normal (CREO) llorar en escenas que no son el final de la película, le debemos a 5 Centímetros, Jardín de las palabras o a Voces de una Estrella Distante su escritura guiada a la síntesis de personajes creíbles para no apelar a nostalgia barata.
Y el final, es inmensamente satisfactorio. La escena final es resultado de toda una persecución que el espectador desea que concluya bien, la historia lo exigía y no puede ser mejor. A que ya os suena la secuencia final de 5 Centímetros.
Pero ¿Y la simbología? Menos rica que en el Jardín de las palabras pero igual de poderosa. La cinta roja del destino, une a dos personas a través de la distancia y el tiempo. Esta ha sido últimamente muy utilizada en una gran variedad de historias, pero en Your Name obra en varios niveles. La abuela de Mitsuha la referencia al hablar de tejido, la observamos en la visión que ve Taki en la montaña y está físicamente en una pequeña cuerda que Mitsuha le regala a Taki para que no la olvide. También tenemos la Hora mágica (legado de Viaje a Agartha) el crepúsculo que nos brinda esa preciosa escena en la cima de la montaña, cuando ambos acortan su distancia pese al tiempo.
Y estamos hablando de magia, ósea es momento de escribir sobre el superlativo nivel de animación de CoMix para esta película. El cielo estrellado transporta al espectador a un escenario tan particular que no hay modo de no admirarlo, el pequeño pueblo respira autenticidad (otro punto para Viaje a Agartha), Tokio está detalladísima y los personajes transmiten tanto por la cercanía de sus expresiones.
Todas las lecciones artísticas Shinkai las aplico con suma elegancia, aunque en sus propias palabras la pelicula “está siendo sobrevalorada”, hemos sido los espectadores quienes debemos discernir, hace mucho tiempo no nos habían capturado a este nivel. Además no olvidemos a Sparkle, una canción escrita, musicalizada y que encaja perfectamente con la historia, una canción destinada a ser de las mejores del anime.
Shinkai no le gusta ser llamado el “nuevo Miyazaki”, y con razón. Este calificativo es inmensamente injusto e irresponsable con todo creador al que le describan así. Makoto es Makoto, un director con afán por contar acerca de las relaciones humanas, que ha desarrollado un estilo y que ha ganado una posición especial (gracias a Your Name) en el corazón de millones.
Por las memorias de un pueblo, por una relación que supera el tiempo, la distancia y hasta la muerte, por la noche estrellada. Por eso Your Name ha sido mi pelicula favorita de 2017 y (por el momento) de la década, por su magia.
